Le Fil de l'Art

Pour moi, créer, c'est s'évader.
Je mélange les matières, les formes et les couleurs.
Et peu à peu, la toile vibre et l'harmonie se dessine. La création apparaît.

Je suis tourneuse de bois. Parce que chaque morceau de bois est différent, et que tourner est planant, je m'amuse à créer des petits et moyens objets qui me surprennent toujours.

My name is Babe, Geneviève Babe.
Aquarelliste, la ligne continue est langage. Les mots, une passion; la porcelaine, une découverte.

Marie-B s'adonne à l'aquarelle depuis près de 30 ans. Elle a participé à de nombreux stages chez plusieurs maîtres reconnus et a ainsi été amenée à s'exercer à diverses techniques et à approcher différents modèles picturaux : portraits, paysages, fleurs, rues, marines... à des niveaux d'abstraction plus ou moins poussés. Elle privilégie les techniques très mouillées où des taches s'organisent progressivement pour suggérer les contours de sujets qui prennent réalité.

La sculpture de la pierre est une passion pour moi que je pratique depuis plus de 15 ans avec mes grands amis sculpteurs. Une passion commune où chacun échange sur son ressenti, ses pratiques avec beaucoup d'humour aussi. Cette émulation me donne en quelque sorte des ailes, que j'ai d'ailleurs sculptées. Lorsque je sculpte, le temps s'arrête. Je suis pleinement moi et à la pierre. Je sculpte la pierre bleue mais aussi le marbre. Un dialogue s'installe entre la pierre et moi. J'ai un profond respect pour ces grandes dames de la nature qui m'inspirent à chaque fois. Elles commandent, elles cassent parfois mais le message qu'elles insuflent est profond. Lorsque je sculpte, je ne pars pas d'un modèle. Je rentre directement dans la pierre, tourne autour et les formes apparaissent. J'aime faire transparaître le mouvement, l'expression d'un dialogue entre deux personnes, un sentiment, le reflet des âmes. Je suis en quelque sorte une sculptrice expressionniste. Je vous invite à découvrir mon univers. Puisse celui-ci vous apporter un message, une réponse, un voyage, un moment hors du temps, surtout beaucoup de plaisir. Approchez-vous d'elles. Elles vous raconteront des histoires. Je vous souhaite grandement un pur moment hors du temps. Les pierres sont si chaleureuses.

Juliette Blanchart a commencé la sculpture en 1988 à l’Ecole des Arts de Braine-L’Alleud, dans l’atelier de Philippe Desomberg, où elle a suivi des cours pendant 5 ans, parallèlement à sa formation d’architecte. Elle y a surtout travaillé la terre et le plâtre. Elle s’est initiée à la taille de la pierre lors d’un stage dans la carrière de Denée.
Après une longue pose permettant de concilier vie de famille et métier d’architecte, elle a repris, pour son plus grand plaisir, la taille de la pierre auprès de Véronique Choppinet en 2015. 
Depuis septembre 2023, elle travaille la pierre à Mazy, avec un groupe d’amis sculpteurs.
J’aime la lenteur de la taille à la main, l’odeur exhalée par la pierre millénaire, la sonorité de la pointe ou du ciseau, la douceur de la pierre polie, les surprises qu’elle réserve… Même au départ d’un modèle précis, la pierre a son mot à dire et participe à la réinterprétation du modèle.

Peintre autodidacte depuis ma plus tendre enfance, je peins pour retrouver mon équilibre. Rêvant souvent à des horizons lointains où nul ne met jamais le pied, je rêve de ces lieux inconnus qui me permettent de travailleur l'imaginaire. Cette peinture du lointain me permet d'être un artiste dans la vie, sans que personne ne le sache, et m'offre la richesse de rêver à chaque instant.

Inspiré par la nature je fais des lampes avec des calebasses, je m'inspire de leur forme pour les réalisations, avec des pieds en fer forgé.

Artiste peintre britannique, Monica V. Burch propose une peinture à l'huile quasi organique, parfois géométrique, réhaussée par des éclats de feuilles d'or qui viennent percer la construction. Au travers des couches successives des zones d'ombre chromatique, les espaces ou les lieux se suggèrent à l'inconcient du spectateur.

Aquarelles sur papier et sur bois et acryliques sur bois.

A coté de mon travail de thérapeute et professeur de yoga, j'ai toujours travaillé le bois. De manière 'utile' (meubles, terrasse, parquet...) puis, avec l'âge, dans un loisir créatif. Je fais des mandalas en bois qui ajoutent une note créative par rapport aux équivalents industriels.

J'ai suivi une formation en modelage céramique à l'École des Arts et Métiers de Jemappes.
Je m'inspire de réflexions interpellantes, étranges ou cocasses qui me sont offertes par le spectacle de la vie. Je leur donne forme dans des compositions variées qui se trouvent au confluent du réel et de l'imaginaire.
Tout en conservant une certaine unité esthétique, mon but est d'inciter soit à se poser des questions sur tel ou tel aspect de la réalité, soit à laisser vagabonder son imagination à travers des territoires poétiques. 
Les visiteurs seront invités à donner un titre aux créations afin de confronter leurs façons de les percevoir.

Un travail de peinture à l’huile, très matière.
Une inspiration par la nature, le cinéma, les livres et les fleurs.

Dorsan Cousin est né en 1996 en Belgique. Très jeune, il se passionne pour le dessin et la peinture. Il apprend le dessin de manière totalement autodidacte. Après des études de peinture à l'école supérieure des arts "le 75" à Bruxelles, durant lesquelles il effectue un Erasmus à l’île de la Réunion à l'école supérieure des arts, il commence à travailler seul dans son atelier.
En 2020, pendant le confinement, il commence une série de sculptures sur bois intitulée "Visages", sur laquelle il travaille et qu'il expose encore aujourd'hui.
En 2022, sur les conseils de plusieurs amis professionnels de l'art, il se relance dans la peinture avec une série d’inspiration végétale qu'il avait commencée en 2018 sur l'île de la Réunion. Cette série n'a pas encore été présentée au public…

La terre est une matière qui me fascine depuis toujours et qui me relie à la nature.
Les rencontres, les cours, ma formation d’historienne de l’art, les stages et les voyages m’ont appris mon métier de céramiste.
Une motte de terre centrée sur la girelle du tour devient entre mes mains bol, plat ou oiseau… 
J’aime travailler sur le tour pour créer de la céramique utilitaire ou décorative. Je joue avec les émaux qui animent mes pièces. Je fais des recherches sur les émaux à base de cendres provenant de végétaux de mon jardin. 
Lors de mes voyages, je récolte des terres de toutes natures et couleurs. Je les fais réagir sur mes pièces lors de la cuisson.
Les possibilités sont infinies et c’est passionnant !

Les paysages de José Maria… Depuis toujours , j’ai essayé de voir les paysages qui nous entourent à travers des prismes déformants ou réajustant leur image… Les paysages sont changeants au rythme des saisons, des années et de nos vies. Un instant, une idée, un objet incongru, une personne peuvent transfigurer le milieu qui nous entoure. Avec plaisir je les manipule, je les introduis insidieusement, ou je les clashent avec violence. Le ridicule ou la révélation peuvent se placer dans un personnage, au sein d’une mare qui luit étrangement, au rythme d’une marée qui monte et finalement descend, un piquet oublié, un cerf-volant perdu. Que sais -je encore... Cela me vient au gré de l’improbable du moment ou de la logique implacable qui nous contraint !

Jacques Cansony a commencé tôt son parcours artistique, simplement avec un appareil photo argentique, en débutant l’apprentissage du développement des films et l’impression sur papier. Le goût de l’image a persisté avec des travaux de reportages, notamment sous les projecteurs d’une école de danse classique. La représentation de l’humain via différents médias est ainsi devenue un des fils conducteurs… 
Depuis lors, photographe de formation, et accessoirement bachelier en micro-électronique, il a cherché à se perfectionner d’année en année. 
Actuellement, Jacques Cansony ne se limite plus à la photographie pure mais se spécialise aussi dans la création d’images et de sculptures réalisées avec le procédé de stéréolithographie. 
Grâce au mélange de la photographie classique et de la conception dans les trois dimensions, on peut passer du dessin pur à la représentation d’objets réels. Très loin des images sans âme fabriquées par intelligence (?) artificielle, la création 3D se base sur des plans précis semblables à ceux d’un architecte doublé d’un metteur en scène. Avec l’éclairage de ces objets, ce sont les mathématiques et la physique qui permettront de rendre aux objets dessinés par l’homme, l’aspect photoréaliste souhaité. 
La suite logique d’une représentation en trois dimensions est la sculpture. Celle-ci devient naturellement possible à partir des compositions enregistrées . Quelle que soit la matière employée, l’étape finale donnera vie à des créations originales ou inspirées par les sculpteurs célèbres, de l’époque grecque, romaine ou contemporaine. 

Agé de 66 ans, je suis depuis 2009 à la retraite et le tournage s’est présenté à moi lors de multiples expositions artisanales.

J’adore le bois, la matière, les odeurs qu’il dégage, et la vue des réalisations en bois tourné, poli, ciré ou verni.

Graphiste, formateur en culture et créativité, et artiste pluridisciplinaire, je me situe à la croisée des chemins entre l'art traditionnel et les nouvelles technologies. Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Wavre en peinture, je poursuis aujourd'hui une démarche de recherche artistique où l'expérimentation occupe une place centrale. Mon travail explore les dialogues possibles entre les techniques classiques et les outils numériques, créant des passerelles sensibles et surprenantes entre deux mondes que tout semble opposer. À travers mon travail, je cherche à questionner, à fusionner, et à ouvrir de nouveaux espaces de création.

Je suis graphiste de métier et à mes heures perdues (que je retrouve heureusement), j’aime jouer avec les images et les mots.
J’ai appelé cela « Hume(o)ur du jour ». 
Des cartes postales, des petits cadres (qui se mettent au mur sans faire de trace !), des posters imprimés, sur bâche, accrochés à un cintre (Modèles cintrés). 

Et toujours une petite pointe d’humour !
Le but : faire naître un sourire à qui les regarde.

J’aime l’improvisation... les expériences... Une tasse de café devant un profil africain... et l’inspiration surgit... je peins au café...  Un clin d’œil de Xavier à Aurélien Verdet... le bourgogne envahi mes œuvres...
Je peins depuis l’enfance. Ma formation a commencé dans les années 1980 avec la méthode Martenot, transmise par ma tante Claude Orts, puis poursuivie aux côtés de Béatrice Verstraete.
Aujourd’hui encore, je continue à explorer et à m’amuser dans différents ateliers, notamment guidée par Isabelle Malotaux, ou à l’Atelier Partagé chez Juliette Blanchart.
Créer une œuvre d’art, c’est toujours un petit miracle. Le processus de la création prend du temps. Certaines œuvres sont pour moi des états de grâce. On y travaille puis, tout à coup, on a l’impression que ce n’est plus nous qui sommes derrière les pinceaux, les gestes viennent tout seul... et l’œuvre apparait.
J’aime improviser, même si cela suppose de lâcher prise, de faire confiance à l’instant, aux intuitions fulgurantes, aux hasards heureux. Chaque création est un chemin à la fois intérieur et ouvert sur le monde.

Artiste pluridisciplinaire, je peins principalement à l’huile, explorant à la fois l’abstraction et les portraits aux inspirations ethniques. Je dessine également à l’aquarelle pour créer des foulards en soie aux motifs poétiques, et je conçois des bijoux en argent, alliant savoir-faire artisanal et sensibilité contemporaine. Mon univers mêle matières, cultures et émotions avec une constante recherche d’harmonie.

En tant que céramiste passionnée, mes oeuvres se concentrent sur l'alliance du métal, du bois, de la mosaïque et du verre (fusing, sculpture en verre à froid, bijoux...) à celui de la céramique. Mes créations se distinguent par une double fonction, à la fois utilitaire et décorative. Mes travaux de mosaïque et de céramique ont contribué à l'épanouissement de mon esprit créatif. En quête constante de nouvelles expérimentations artistiques, le travail du verre est devenu, récemment, un élément incontournable de ma pratique.

Bart réalise des installations surréalistes qui semblent sortir d'une bande dessinée. Ces installations sont comme des illustrations du monde étrange et aliénant qui l’interroge. Parfois, elles décrivent et traduisent la manière dont Bart interprète ses observations. Elles peuvent accentuer certaines émotions, être des commentaires satiriques ou même sarcastiques, fonctionner comme une caricature. Les objets trouvés, les épaves récupérées, les raretés recyclées et autres ressources qu’il utilise dans ses créations paraissent vouloir raconter leurs propres histoires.

....et poser le regard...

Mon travail a pris naissance en observant les différents polypores qui se développaient sur les bûches et leurs écorces. Depuis 2015 mes sculptures en terre ont donné naissance à une recherche qui a abouti aux bijoux-sculptures que je réalise d'après les photos prises au fil de mes balades dans la nature.

Sculptrice, j'ai été formée aux ateliers de la rue VOOT à Woluwé St Lambert pendant 15 ans. J'y ai rencontré de nombreux professeurs et utilisé tous les matériaux possible : la terre, le bois, le plâtre, le ciment, la pierre, le plastic, le grillage....
Depuis plusieurs années, c'est la pierre que je travaille : la stéatite, la serpentine, le petit granit, la pierre de France, le marbre de Carrare ou la pierre de Mazy.

Autodidacte passionnée, elle explore les univers du portrait et du paysage à travers une approche artistique mêlant spontanéité, sensibilité et lumière.

Peinture acrylique. Mon oeuvre est constituée de toiles semi-abstraites aux couleurs fluides travaillées dans la transparence et matière.

Une de mes passions, ce sont les portraits. Pour laisser apparaitre la beauté de l'âme. C'est un immense plaisir de peindre, d'être dans le choix de ses couleurs, des nuances. C'est une quête d'harmonie toujours à recommencer.

Abstraire le négatif du quotidien pour savourer au mieux nos perceptions, nos émois, la Vie !

Dans ce monde tourmenté, c'est une considérable prédiction !

Régine Dezille a suivi les cours de l’artiste Guy Némerlin à l’Académie de Chastres pendant 17 ans. Elle fréquenta l’Académie de Gembloux pendant 2 ans et participa à divers stages et ateliers afin de se familiariser avec l’aquarelle, l’acrylique, l’écoline et le crayon blanc sur
papier noir. Depuis plusieurs années elle a rejoint le groupe Enéo de Walhain.
La peinture est, pour elle, une vraie bulle d’évasion et d’oxygène.
Aimant la lecture, la voile et le jardinage, tout est sujet d’intérêt pour l’illustration.

Ayant suivi des cours d'aquarelle, j'ai trouvé ce médium fascinant. Une passion qui demande patience, spontanéité et qui permet de créer des moments uniques, magiques. Quel plaisir de voir les couleurs se rencontrer et fusionner, je cherche toujours à faire passer la lumière afin de donner place à l'émotion.

Retraitée, j’ai décidé de m’adonner à l’aquarelle, un rêve jamais réalisé.
Autodidacte, j’ai intégré un atelier artistique qui m’a permis d’être soutenue dans mon apprentissage. Ma peinture est essentiellement figurative. Peindre d’après photos, ou ce que je vois, a approfondi ma perception des choses et surtout des couleurs !
Mon premier sujet est la nature ; la peindre, c’est m’émerveiller devant celle-ci…

Daniel Goda, né en 1949, s’est d’abord dirigé vers des études d’ébénisterie, de sculpture, de marqueterie. 
Sa passion se transforme et il se tourne vers la peinture.
En 1993, il va suivre des cours à l’académie de Chastre sous les conseils de l’artiste peintre M. Némerlin où il réalisera essentiellement des peintures à l’huile.
En 2005, voulant connaître d’autres techniques, il entre à l’académie des Arts du Bailli à Gembloux.
Grâce au talent et aux conseils de l’artiste peintre Paul Santkin, il se dirige vers les aquarelles, le pastel.
Il suivit également des cours chez Marie-Bernadette Beguin ainsi qu’à l’école d’Aquarelle de Namur chez Mme Christiane Lauwerijs.
Ses sujets favoris sont surtout les paysages, principalement de notre village ou de voyages.

Passionnée depuis plus de quinze ans, je suis une artiste peintre amateur spécialisée dans les techniques du pastel et de l'acrylique. Mon travail s'articule principalement autour des visages, que j'aime représenter avec sensibilité. À travers ces portraits, je cherche à capturer l'émotion en jouant avec les couleurs.

Passionnée depuis plus de quinze ans, je suis une artiste peintre amateur spécialisée dans les techniques du pastel et de l'acrylique. Mon travail s'articule principalement autour des visages, que j'aime représenter avec sensibilité. À travers ces portraits, je cherche à capturer l'émotion en jouant avec les couleurs.

J'ai suivi l'école d'Aquarelle de Namur pendant 3 ans.

Panneaux carrés géants représentant d’anciens artistes belges, fabriqués avec une foule de choses.

Formée à l’Institut de peinture décorative Van De Kelen-Logelain, Mariel François consacre aujourd’hui son temps à une démarche artistique en constante évolution. L’abstraction y occupe une place de plus en plus marquée, portée par un travail des matières et une exploration subtile des techniques issues de la peinture décorative. Jeux de textures vibrantes, dorures, formes en mouvement. Une rencontre entre matière et élan, entre maîtrise et intuition.

Ma démarche s’appuie sur une technique utilisant des médiums différents associés à des pigments. Après avoir consacré quelques années à l’étude du modèle en dessin, je me consacre à la peinture abstraite. 

L’activité picturale représente une aventure dans laquelle j’aime m’immerger. Celle-ci m’invite à mettre en œuvre des qualités intuitives qui vise à signifier plutôt que représenter les sensations et émotions ressenties lors de mes pérégrinations dans les milieux naturels. Le résultat de ce processus créatif a pour objet de susciter, en première lecture, une émotion esthétique et peut-être de révéler et s’interroger sur les secrets et mystères de la nature.

Quand l'oeuvre exposée questionne le spectateur, elle provoque la rencontre, le partage... Le travail de l’artiste n’est pas vain. 

J’aime travailler en série. A l'origine d'un nouveau projet, l'association du sujet à une technique particulière et son exploitation en mode sériel me permettent de le traiter en profondeur. Quelle que soit la technique utilisée : dessin, collage, infographie, sérigraphie, sculpture, etc. Le plaisir de la création reste intact et la surprise est toujours au rendez-vous. La réussite de la série tient à sa cohérence et au processus créatif passionnant et jouissif.

Laborantine de formation, je crée des bijoux depuis plus de 20 ans, j'adore apprendre des techniques différentes et de construire un bijoux en mêlant différents matériaux. J'ai commencé par des bijoux en perles, bijoux au crochet, bijoux à l'aiguille.

Je me suis ensuite tournée vers les bijoux en pâte polymère car j'aime qu'ils soient uniques, qu'on ne puisse jamais refaire le même.
J'ai suivi une formation d'un an de micro macramé.
Je communique ma passion en donnant des petits cours dans mon atelier.
Je participe également à des stages avec des polyméristes chevronnées.

Un atelier au fond du jardin est mon havre de paix dans lequel je trouve mon inspiration. Les doigts et le contact avec la terre font le reste...

Après 36 ans dans l'enseignement, ma passion s'est orientée vers cette activité qui anime mes journées avec plaisir.

La marque Audrey Huet Joaillerie est le fruit d’une reconversion professionnelle.

En 2018, Audrey quitte son job dans une multinationale pour aller là où bat son cœur.

Je rêvais de couleurs, de pierres précieuses naturelles aux teintes vives, 
Je rêvais de bijoux de qualité fabriqués en Belgique. 
Je rêvais d’audace, de design épuré, de bijoux faciles à porter au quotidien.

Après des formations à l’Institut des Arts et Métiers à Bruxelles, des rencontres clés et un diplôme de Gemmologue (Société Royale Belge de Gemmologie), la marque Audrey Huet Joaillerie fût lancée et mon rêve devient réalité !

En 2022, Audrey est la lauréate des "Meilleurs de l'année" pour la catégorie Joaillerie. Ce concours organisé par la RTBF et Paris Match est une magnifique reconnaissance pour cette créatrice qui, quelques années plus tôt, était loin de s'imaginer ce que la vie lui réservait.

Photographe professionnel depuis 2018, j’ai trouvé dans la photographie le médium idéal pour exprimer ma créativité.

« Bedtime Stories » est une série de photographies représentant de petites silhouettes de papier mises en scène avec des objets du quotidien. L’exercice a pour particularité de n’utiliser aucun logiciel de montage photo, seulement un logiciel de développement. Ce que l’on voit sur l’image est ce que l’on voit dans l’objectif. La plupart des photos sont d’ailleurs accompagnées de prises de vue des « coulisses ».

Née d’un travail effectué dans le cadre d’un cours d’académie, la technique a inspiré l’artiste pour représenter ce qu’il appelle « les petits mondes » qu’il voit depuis qu’il est petit. Bercé par les contes, les légendes, le cinéma et la bande dessinée, Mathieu se prête souvent à l’exercice d’imaginer les objets d’une façon détournée, en changeant l’échelle de ceux-ci et en changeant parfois leur utilisation.

La série n’a d’autre prétention que de faire voyager visuellement le spectateur par des images colorées, dans le seul but de titiller son imagination.

Ma peinture est gestuelle, spontanée et intuitive. Les couleurs harmonieusement juxtaposées forment des compositions dynamiques et captivantes. Le monde végétal est pour moi une source inépuisable d'inspiration.

Guidée par la poésie des couleurs et l'équilibre des formes, j'ai choisi l'acrylique pour donner corps à mes envies tantôt dans des tableaux abstraits qui laissent place à l'imaginaire tantôt dans des tableaux plus figuratifs qui saisissent un moment de vie et ouvrent la porte au rêve.

Sculptrice diplômée de l'Académie des Beaux-arts de Namur, je questionne et cherche : comment trouver l'équilibre entre les polarités et comment exprimer la vie dans les formes ?
Je monte la terre glaise en creux en de petites ou grandes sculptures arrondies, épurées et mouvantes qui offrent au regard impression/expression de calme, douceur, force et unité tout à la fois. Tel un remède à la complexité, et la gravité de la vie dans le monde particulièrement éprouvé aujourd'hui.

Ceramiste et plasticienne, j’ai été formée à l’Academie des Beaux-Arts de Wavre en céramique, ainsi qu'au sein de l'atelier de Myriam Lepaige. Mon travail se nourrit d’une volonté profonde de décloisonner les disciplines et les matériaux, en menant une recherche artistique constante. J’aime marier ce qui semble opposé : le mou et le dur, le concret et l’invisible. Et explorer l’alchimie des matières que tout sépare a priori, espérant créer un univers sensible, surprenant et résolument libre.

Pour Geneviève Lagasse, la sculpture est un moyen privilégié pour exprimer l’indicible. Chaque œuvre naît de l’argile, matière première qu’elle façonne avant de la marier à d’autres éléments — papier, bois, pierre — ou de la métamorphoser en bronze. Ses œuvres se posent, assises, dansantes, reveuses, quand d’autres trouvent leur place aux murs, dans un cadre en acier corten.
Son univers figuratif oscille entre clarté et subtilité, entre rigueur et liberté. Un équilibre délicat, où chaque pièce invite à la contemplation autant qu’à l’interprétation.

Ma passion, c’est le sujet humain. Je le modèle sur le vivant depuis 20 ans, et le sculpte depuis quelques années dans la terre avant de l’
immortaliser dans le bronze ou la résine. Ce sont les expressions du visage et les attitudes du corps que je tente de faire sortir pour 
insuffler vie à mes sculptures. Car pour moi, c’est notre langage corporel qui traduit l’entité que nous sommes. Passionnée par le mouvement, je me tourne aussi vers le monde animalier… un univers où s’expriment également grâce et puissance.

Dès ses humanités artistiques aux Beaux-Arts de Namur en 2000, Judith s'intéresse aux portraits et aux paysages croisés sur la thématique de l’enfance… avec ce qu’elle comporte de joie, de spontanéité et de douceur.
Elle utilise une technique inspirée de l’impressionnisme pour l’utilisation des couleurs et le rendu de la lumière sur de petits formats.
Par sa pratique du documentaire de création audiovisuel, elle réalise depuis 2023 une série de tableaux dédiée à la thématique de la femme en Afrique de l’Ouest. L’artiste y a longuement séjourné. Ce qu’elle transmet à travers ses tableaux, c’est la résilience, le courage et la force de ces femmes esseulées.

Dans ses œuvres, Judith pose un cadre avec des choix de mise en scène qui confèrent une dimension cinématographique à ses peintures.

Fabienne a découvert la magie du modelage de la terre il y a quelques années.

Depuis elle a exploré une diversité de styles et techniques alliant textures, formes et couleurs selon l’inspiration du moment.
La terre s’élance sous ses doigts pour donner place à tous styles de sculptures décoratives et uniques.
Son univers peut être changeant, à la fois coloré ou discret, mais toujours animé de passion et minutie tout en donnant une histoire à la terre entre ses mains.

Je tente toujours de m'appuyer sur les techniques apprises jusqu’à ce jour afin de m'exprimer... Le portrait reste pour moi un exercice très intéressant et la céramique au tour a quelque chose de magique, en partant d’une masse de terre sans forme on arrive à un objet, utile parfois, que l’on espère beau.

L’Afrique est un coup de foudre !
A travers mon objectif, je tente de partager les beautés de ce continent qui a vu naitre l’humanité…

Mes sculptures récentes sont réalisées à partir de plâtre, métal, caoutchouc, ciment ou chanvre. Elles s'assemblent et s'étirent sur des structures élancées.

Mes bijoux sont pensés comme des sculptures miniatures en argent, laiton ou or, à porter à même le corps.

La fragilité de l’existence et des êtres est l’une des questions qui sous-tendent ma démarche.

Mon travail explore les Primitifs flamands à travers la déconstruction de la couleur et de la matière. L'équilibre des couleurs est central, perçu comme une harmonie mathématique semblable à une fugue musicale. L'émail, la peinture à l'huile et le pastel à l'huile donnent à la couleur une présence tangible, lui permettant d'interagir avec la lumière en tant qu'entité indépendante. Le processus créatif allie intuition et principes classiques de composition. L'objectif ultime est de trouver la « couleur absolue », dans laquelle l'idée du sacré est inscrite.

Je démarre une conversation, avec un éclat de bombe ou d’obus qui, de par son vécu, a une histoire qui lui est propre. Ce sont des reliquats des deux dernières guerres qui m’interpellent et m’inspirent. D’une pièce qui a comme but premier de semer la discorde, le désordre, le désespoir, la peine, la mort… je la transforme en une image riche, expressive, ouverte et laissant place à l’imaginaire.

Avant de choisir la peinture à l'huile, Elisabeth Marichal a expérimenté d'autres moyens d'expression : aquarelle, terre, dessin, collages. Elève de la peintre Nancy Seulen durant une dizaine d’années, elle est actuellement élève en second cycle de l’atelier Peinture, à l’Ecole des Arts de Braine-L’alleud.
La couleur est l'invitée d'honneur : une couleur vivante, mobile, en jaillissement, qui dit sans décrire, qui anime sans se laisser enfermer.
Les sources d'inspiration sont multiples : paysages, objets, mirage d'une vitre, ombre d’un personnage ne sont que prétexte à saisir le mouvement, le glissement de la lumière, la vibration qui saisit le regard. Le trait est fougueux, bousculé, joyeux comme un carnaval ou , au contraire, léger, à peine esquissé, faisant de la lumière diffuse, le sujet principal. 
Le tableau tente de traduire l’émotion intérieure qui ricoche sur le réel visible mais faussement anodin. L’envie est là de peindre le ruissellement, l’image floutée, au croisement de ce que l’oeil voit et de ce qu’il devine. Les éléments du paysage émergent par masses de couleur, pour donner une lecture intuitive de la scène.
Laisser flotter les frontières, mettre en mouvement l’image peinte, dans un léger oscillement, pour suggérer une atmosphère.

Je suis artiste photographe et ma démarche artistique est celle de réinventer le monde, de le rendre plus léger et de vous transporter sur d'autres planètes, à la fois si proches de notre quotidien et pourtant encore si méconnues. Les Planètes Imaginaires incarnent une vision poétique et intime de notre lien avec la Terre. Chaque photographie artistique est une invitation à explorer un monde à la fois familier et mystérieux, une planète où les valeurs essentielles prennent vie. Dans ces univers imaginaires, la nature se dévoile dans toute sa splendeur et nous rappelle l’importance de notre connexion avec notre environnement.

Je propose également des solutions artistiques aux entreprises pour transformer leurs espaces avec des œuvres photographiques grand format en édition limitée, qui allient innovation, poésie et nature. En créant une atmosphère inspirante et apaisante, mes œuvres contribuent au bien-être des collaborateurs, stimulant leur créativité, leur concentration et leur sérénité. Chaque création invite à l’évasion et reflète un style unique, à contre-courant des tendances standardisées.
Au-delà de l’esthétique, je souhaite que mes œuvres permettent également aux entreprises d’affirmer leurs valeurs et leur identité en intégrant un art porteur de sens, en lien avec la nature, l’imaginaire et l’innovation.

Mes Planètes Imaginaires sont en éditions limitées et prennent vie à travers la réalité augmentée, sublimée par des finitions d’exception. Un art qui ne se regarde pas seulement… mais qui se vit.
Je vous présente dans cette galerie mes créations disponibles en grand format.

La peinture s’est révélée à moi il y a 25 ans après cinq week-ends de formation sur la symbolique des couleurs et leur influence dans notre vie. L’importance de les utiliser comme outil de ressourcement s’est insinuée dans ma pratique quotidienne.
Je cherche avant tout à peindre une toile qui apportera un supplément d’âme dans la pièce où elle rayonnera son énergie.
Pas de message politique, pas de négativité mais plutôt décorer, harmoniser, dynamiser ou apaiser, juste oser la couleur, vibrer.
L’abstraction est un choix qui permet à ma créativité de s’exprimer d’avantage.

Céramiste depuis 3 ans, je crée des objets utilitaires et décoratif pour embellir votre quotidien.

Sculptures travaillées et structurées de manière à provoquer l'imagination du regardeur.

L'accent est parfois mis sur le contraste entre la rudesse de la pierre et la tendresse du bois.

Mon travail n'a pas pour but d'être simplement une image, il ne cherche pas seulement à représenter ce qui est visible, il veut rendre quelque chose visible. Ce n'est pas simplement un produit, soigneusement encadré et présenté ; c'est plutôt comme un paysage. Pas un paysage connu ou figé, pas un paysage que nous pouvons reconnaître et cartographier, pas un paysage qui ‘est’, mais un paysage qui ‘devient’, plutôt un paysage émotionnel, un paysage du ressenti, direct, un paysage qui touche et surprend, qui nous attire ou nous repousse, qui nous affecte, un paysage qui, bien qu'incertain et parfois éphémère, prend forme pour nous et nous échappe sans cesse. Un paysage comme la vie elle-même : significatif mais plein de contradictions.

Macha a découvert la joaillerie au Chili et adore tester et découvrir de nouvelles techniques et matériaux. Ses bijoux artisanaux, faits main, sont en argent ou en laiton, parfois agrémentés de chutes de cuir ou autres éléments recyclés pour y ajouter une touche de couleur. Elle s'inspire principalement de trésors de la nature trouvés en balade ou en voyage et puis se laisse guider par ses envies et le plaisir de la création.

« L’ Art, ce sont des mains qui prennent la parole et transforment nos silences en actes sensibles et magiques ».

Cel’Art a pris naissance en 2020.

Mes pinceaux ont repris vie après 20 ans de silence. Ils ont libéré mon esprit et m’ont permis de coucher sur la toile la multitude de sensations qui m’envahissent au quotidien. 

J’aime jouer avec les différentes textures. Les couleurs se mélangent au gré de leurs envies et fluctuent en fonction de mes émotions. 
J’y associe des feuilles d’or ou d’argent et j’y ajoute une touche délicate de paillettes. 
La toile devient alors vivante et s’illumine différemment en fonction de l’ambiance du jour ou de la nuit. 

J’affectionne particulièrement l’abstrait. 
Mes tableaux ont pour but de toucher l’âme des yeux qui les observent, laissant aller leur imaginaire en l'entremêlant avec le mien. 

Je vous laisse découvrir mon monde, ce monde où l’on ne pense plus, où l’on imagine…

Je crée des bijoux tels que des colliers, des bracelets, des boucles d'oreille et même des broches à partir de perles faites entièrement par moi-même à base de pâte polymère.

Amateurs d'art, bienvenue dans mon univers. Je suis artiste peintre autodidacte. Je travaille la peinture acrylique sur toile.

En recherche constante de vous faire plonger dans l'imaginaire et le rêve, je vogue entre le réalisme et l'abstrait. Le fil conducteur de mes œuvres est la matière, présente dans toutes mes réalisations, que ce soit un peu, beaucoup mais surtout passionnément.

Travailler la porcelaine, c’est se plonger dans un univers de douceur, de blancheur et de translucidité.

La demoiselle est capricieuse mais quel plaisir que de s’essayer à l’apprivoiser.

Depuis toujours, la peinture est ma passion. Mes premières créations étaient figuratives et réalisées à l'huile. J'ai exploré d'autres facettes et actuellement mes toiles sont réalisées à l'acrylique, peintes au couteau. Mes tableaux sont plutôt abstraits et sortent tout droit de mon imagination. J'aime travailler la couleur, la dynamique et différentes matières.

Primée dans différents concours en Belgique et à Paris à l'académie de Lutèse.

Depuis 2017, je me consacre à la sculpture abstraite avec des pierres naturelles (petit granit, basalte, marbre "Noir de Mazy").

J'emprunte la pierre à la terre et, en la sculptant, je crée une figure abstraite.

Je suis fascinée par l'idée de donner du mouvement à une sculpture. Capturer celui-ci dans son intensité, donner l'impression de légèreté de beaux défis pour une œuvre de bronze  ! Je souhaite que mes pièces dansent, courent, volent... qu'elles vivent  !
Tatiana est une sculptrice belge d'origine russe. Elle vit en Belgique depuis plus de 25 ans. Tatiana expose ses premières œuvres en 2016. Elles séduisent rapidement par leur intensité et leur force un public belge et international.

Elle a reçu le Prix Public de la Biennale de la Sculpture à Montreux ainsi que celui de la Biennale de la Sculpture à Lasne.

J'ai suivi des formations à l'art du vitrail chez le maître verrier Pierre Majerus et ensuite aux Cours des Métiers d'Art du Hainaut (CMAH) à Jemappes. Elles me permettent aujourd'hui de ne pas me sentir limitée par les aspects techniques et donc de ressentir une certaine liberté dans le choix des sujets que je désire mettre en valeur dans mes compositions.

Je m'inspire de peintres contemporains, renommés ou non, de motifs art déco ou celtiques.

Outre l'élégance des formes, c'est la recherche d'harmonie des couleurs dans la transparence qui guide mon travail.
Dans mon atelier, les visiteurs pourront découvrir les étapes de l'élaboration d'un vitrail.

Je peins à la peinture acrylique depuis une dizaine d'année, parfois agrémentée de diverses techniques, collage, fusain, momigami etc.

L'eau fait ce qu'elle veut. Apprendre à la connaître et à la guider sur le papier, c'est ce qui me réjouit depuis plusieurs années maintenant. Mes aquarelles sont avant tout le reflet d'une émotion et une ouverture à l'imaginaire.

Après des études en arts plastiques, j’ai continué à explorer ma créativité à travers le dessin, la peinture et la décoration.

Huiles, pastels, aquarelles, pâte à modeler, plastique… Mon terrain de jeu est vaste et en perpétuelle évolution.
Ma principale source d’inspiration reste la nature, que ce soit à travers des natures mortes ou des compositions plus abstraites, en utilisant diverses techniques et matériaux. 
Depuis peu, je crée également des bijoux : bracelets, boucles d’oreilles et colliers en perles de verre et pâte polymère.

Là encore, je retrouve le plaisir d’associer couleurs, formes et textures. 
Mon parcours artistique est éclectique, sans ligne tracée, porté avant tout par un besoin irrépressible de créer et de m’exprimer au gré de mon inspiration. Un véritable exutoire.

Créations de papiers faits maison, incrustés de fils, plumes et autres matières, avec d'anciens encadrements recyclés.

Quelques paysages de campagne à l'encre de chine et pigments de couleurs.

Vannière créative, passionnée de nature et animatrice, je fabrique des paniers et différents objets en osier et végétaux sauvages.
Je réalise des objets sur mesure, des réparations et créations.

Dès l’adolescence j’aimais modeler, créer des objets tels que masques, poupées, sujets divers, les voir prendre forme sous mes doigts, leur donner corps et expression, traduire un sentiment et insuffler vie à un mouvement.
J’aimais déjà aussi dessiner, tracer des traits, des courbes, j’adorais entrevoir l’alchimie du mélange de couleurs, imaginer des figures, représenter un décor, une idée, une chimère.
Ce que j’aime c’est voir la toile changer sous mes yeux au fur et à mesure que ma démarche se matérialise ; j’aime m’inspirer de l’impressionnisme et son réalisme autant que m’aventurer vers l’abstrait voire flirter avec le mode surréaliste.

De 1997 à 2005, Isabelle Servais a suivi des cours de peinture dans un atelier privé. Elle y a été initiée au dessin dans un premier temps, puis à de multiples techniques de peinture (fusain, pastels, encres, acrylique, collage...) Elle a également suivi des formations ponctuelles dans différents domaines qui ont toujours un lien avec les arts plastiques : calligraphie, calligraphie chinoise, reliure, papiers colorés, effets de matières…

Plus récemment, elle s’est formée aux techniques de peinture à la chaux et pose d’enduits minéraux. Depuis 2018, elle s’est lancée dans la sculpture modelage de la terre. Elle s’est initiée aux différentes techniques de modelage en autodidacte.

Par ses œuvres, Philippe Stévenart exprime la recherche d’équilibre dans les relations humaines. Celui-ci peut être à la fois stable et instable. Cette dualité est traduite par une dissymétrie des formes. Si l’ensemble a une belle assise, il y a toujours un point de déséquilibre dans ses œuvres. 
L’opposition symétrie-asymétrie, équilibre-déséquilibre, c’est l’histoire du couple, de l’altérité, l’un et l’autre se trouvant réunis par le cercle ou la sphère, qui, pour l’artiste, représentent une forme de perfection. 
L’équilibre dans la relation à l’autre peut être permanent, éphémère ou cyclique, sa durée dépendant de son degré de qualité.

Michel Stoffel est un artiste photographe basé à Rixensart, en Belgique. 

Au travers de son projet "Portraits floraux" inspiré par sa passion pour la nature et la photographie, il nous invite à contempler la beauté éphémère des fleurs capturée dans de magnifiques vues rapprochées. Les formes, textures et couleurs des fleurs sont mises en valeur dans de grands tirages parfaitement nets sur chaque plan nous permettant de découvrir des détails infimes invisibles à l'œil nu.

Les fleurs sont photographiées dans un studio spécialement conçu à cet effet. Chaque portrait est créé en combinant plusieurs centaines de photos prises avec un léger décalage de mise au point entre chaque prise. En moyenne, deux semaines de travail sont nécessaires depuis la première prise de vue jusqu'à la finalisation d'un portrait. Dans la mesure du possible, Michel cultive les fleurs dans son jardin. Il sélectionne les graines et les bulbes qui donneront les fleurs répondant à ses critères esthétiques.

Mon travail s’inspire de la Nature, du monde végétal et minéral. J’essaye de l’interpréter sous toutes ses formes.

Dès lors, l’idée de "récup" ainsi que l’utilisation de la terre, de la porcelaine et du verre coule de source puisqu’ils proviennent de cette Nature. Ils deviennent cette passerelle entre mes rêves, mon imaginaire et la réalité… comme une danse entre ces deux univers… 
Pièces décoratives, utilitaires, bijoux, ma gamme de recherche est large, tout comme l’exploration et la pratique de la céramique ces 20 dernières années m’ont amené à développer ma propre technique: la porcelaine coulée à la cuillère et créer ainsi mes "dentelles végétales et minérales".

Passionnée par l’art depuis toute petite, j’ai toujours dessiné, peins, sculpté. J’ai fini par devenir artisan joaillier, ce qui me permet de créer au quotidien. Je fabrique, répare et transforme les bijoux, mais je réalise aussi des expertises ou donne des conférences sur le métier d’artisan joaillier.
Parallèlement à cela, je continue à peindre et à dessiner. Je m’exprime principalement au travers du pastel et de la peinture acrylique, mais aussi via l’aquarelle. Depuis peu je découvre le dessin digital. 
Je suis essentiellement autodidacte et suis depuis 4 ans différents workshops afin d’améliorer et perfectionner mes techniques.
Je travaille deux courants pour l’instant : des clairs-obscurs à l’acrylique représentant mon amour pour la Belgique mais également des œuvres plus abstraites traitant des thèmes comme l’amour, la foi, la lumière, l’espoir. A côté de cela, j’effectue des études de corps féminins aux pastels, principalement en noir et blanc.

Petite entreprise depuis 2013, je donne des cours de poterie au tour pour les personnes de tout niveau dans une ambiance agréable et détendue. Nous réalisons des poteries utilitaires et décoratives.
D'autres part, je réalise également de poteries utilitaires pour me clients sur commande et sur mesure.
Je participe également à quelques expositions comme celle-ci pour la seconde fois.

Je suis sculptrice et céramiste et dispose d'un atelier tant à Ophain qu'à Granges-sur-Baume, dans le Jura. 
Mon travail est le reflet direct de mon inspiration et/ou de mes aspirations du moment, souvent avec un petit récit qui s'y colle et se raconte. 
Je travaille souvent par thèmes ou je préfère dire "invitations", car j'aime que mes pièces incarnent chacune une invitation tournée vers le visiteur de visiter son imaginaire personnelle ou sa perception individuelle des choses chargée de ce qu'il est, de son vécu, de ses expériences, de son histoire... Pour se construire sa propre interprétation de ce que la création lui inspire. 
Ensuite, je peux avec un immense plaisir lui partager ma volonté première et l'histoire de celle-ci et l'inviter, s'il le souhaite, à me partager ce qu'il en a vu ou déduit; un dialogue peur alors s'installer autour de chaque réalisation artistique, ce qui, à chaque rencontre, l'enrichit d'un nouveau regard et parfois, m'entraîne à imaginer la suite... 

Actuellement je travaille sur des créations à destination extérieure ce en lien avec la nature; sa Grandeur et son lien au nombre d'or, le sujet brûlant de l'urgence climatique et de la conscientisation collective nécessaire au changement, une proposition de voyage tant dans les mémoires que dans les songes par des créations qui relient toutes les générations par leur symbolique mais aussi par l'imaginaire qu'elles viennent rechercher au coeur de chacun.

Lorsque je présente plusieurs pièces, j'aime en créer un "parcours des invitations..."

Entre figuratif et abstrait, sans idées préconçues, mais finalement toujours avec la mer en toile de fond.

J'utilise couteaux et pinceaux pour jouer avec les couleurs.

Certificat d'Arts Plastiques : Institut 75 à Bruxelles.
Diplômée des Arts du Spectacle de l’I.AD. de Louvain-la-Neuve.
Crée le théâtre Zanni en 1983. Professeur de yoga depuis 15 ans. 
Organise et /ou participe à diverses expositions.

Suit un atelier d’illustration sous la direction de Dominique Maes (Louvain-la-Neuve) et l’Atelier Pinceau découverte (Walhain). Cours de dessin à l’académie de Wavre 2019-21.

Elle crée un monde onirique qui se tisse à petits traits au rythme du souffle qui l’habite. 
Un univers entre ciel-terre-mer où l’œil peut plonger et le cœur s’ouvrir à l’espace.

Des dessins pour se laisser voyager mais aussi respirer dans l’ici et le maintenant. 

Mes œuvres se distinguent par leur texture en relief et leur palette de couleurs douces et naturelles. Je joue avec la matière pour créer des paysages abstraits, évoquant des éléments organiques et minéraux, dans une atmosphère épurée et contemplative.

Suggérer une perspective, et un paysage prend forme.
Je travaille à l acrylique en y mêlant fusain, pastels, collages... les combinant jusqu'à les confondre.

Je travaille la terre avec la méthode la plus ancienne : le colombin.

Je m'inspire de la nature pour faire des pots qui ont une énergie organique et se marient avec la plante.

Le tout font alors une œuvre d'art.